Beschreibung:

Details
André Lhote (1885-1962)
La Seine et Notre-Dame de Paris
signé 'A. LHOTE' (en bas à droite)
huile sur papier marouflé sur toile
239.7 x 199.3 cm.
Peint en 1933
signed 'A. LHOTE' (lower right)
oil on paper laid down on canvas
943⁄8 x 781⁄2 in.
Painted in 1933
Provenance
Atelier de l'artiste.
Puis par descendance au propriétaire actuel.FURTHER DETAILS
Dominique Bermann Martin a confirmé l'authenticité de cette œuvre.
«Il y avait Notre-Dame, tellement plus belle du côté de l’abside que du côté du parvis, et les ponts, jouant à une marelle curieuse, d’arche en arche entre les îles.». Ces mots tirés du roman de Louis Aragon, Aurélien (1944), semblent refléter comme un miroir la toile d’André Lhote. La figure de Lhote est très étroitement reliée au peintre, théoricien et critique d’art ayant contribué massivement au développement du cubisme, grâce à des écrits, des conférences et à son Académie qu’il fonde en 1925 près de la gare Montparnasse et qui attire de nombreux artistes du monde entier comme Tamara de Lempicka, Hans Hartung et un grand nombre d'artistes de l'École de Paris. On retrouve beaucoup de sujets dans sa production, et le paysage y tient une place non négligeable et intéressante car elle vient contrebalancer ses grandes théories du cubisme qu’il applique à la lettre lorsqu’il peint des figures. En effet, après 4 ans où il ne représente presqu’aucun paysage, Lhote multiplie les sujets du genre à partir des années 30, et présente des toiles plus sereines, moins construites que celles des années 10, avec une palette moins intense mais plus naturelle et douce. La Seine et Notre-Dame de Paris peinte en 1933 en est un merveilleux exemple. Sur cette toile aux dimensions imposantes, c’est véritablement le coloriste qui s’exprime plus que le plasticien, avec une fraîcheur des couleurs qui semble précéder l’agencement des formes. Celles-ci sont globalement assouplies et arrondies avec l’utilisation massive et groupée du cercle pour synthétiser le feuillage et la vapeur du bateau mouche sur la Seine. L’ensemble apparaît comme l’expression spontanée de la sensibilité du peintre devant la ville, traduisant son état de quiétude et de calme par des tons doux presque pastels. Le dessin de l’abside de la cathédrale vient lui aussi contredire les grandes théories cubistes avec des traits souples et réalistes, comme on peut le voir sur le dessin au crayon intitulé Notre Dame qui semble être une étude préliminaire à la présente œuvre.
“There was Notre-Dame, so much more beautiful on its apse side than from the front, and the bridges, playing a curious hopscotch from arch to arch between the islands.” These words, from Louis Aragon's novel, Aurélien (1944), seem to perfectly reflect this canvas by André Lhote. The figure of Lhote is very closely linked to the painter, theorist, and art critic, who made a huge contribution to the development of Cubism, through his writings, lectures and his Academy, that he founded in 1925, close to Gare Montparnasse, and which attracted numerous artists from all around the world, such as Tamara de Lempicka, Hans Hartung and a large number of artists from the École de Paris. Many subjects can be found in his works, and landscapes occupy a significant and interesting role, as they counterbalance his grand theories of cubism, which he applied to the letter when painting figures. Indeed, after four years during which he painted almost no landscapes, Lhote painted many more of them from the 1930s onwards, and produced more serene canvases, less constructed than those of the 1910s, with a less intense, but more natural and softer palette. La Seine et Notre-Dame de Paris, painted in 1933, is a wonderful example of these. This canvas, with its imposing dimensions, truly sees the colourist expressing himself more than the visual artist, with a freshness of colours which appear to take precedence over the arrangement of forms. These are generally softened and rounded, with the massive and grouped use of the circle to synthesise the foliage and the steam of the tourist boat on the Seine. The ensemble appears as a spontaneous expression of the painter’s sensitivity to the city, translating a state of tranquility and calm via soft, almost pastel tones. The portrayal of the apse of the cathedral also contradicts the grand cubist theories, with flexible and realistic lines, as can be observed in the pencil drawing entitled Notre Dame, which appears to be a preliminary study for this piece.